Sejarah dan Perkembangan Musik - Abad pertengahan merupakan masa terpanjang dan paling terpencil periode sejarah musik. Penting untuk dicatat bahwa era musik terdiri dari hampir seribu tahun senilai musik. Untuk sebagian besar dari abad pertengahan, Gereja adalah titik fokus dari kehidupan sosial, belajar, dan seni. Santo Gregorius, yang Paus 590-640 CE, dikatakan telah mengorganisir repetoire besar nyanyian yang berkembang selama abad-abad pertama dari gereja Kristen. Karena itu kata "Gregorian" muncul.
 |
| Sejarah dan Perkembangan Musik |
“Bene cantat bis orat- Bernyanyi dengan baik seperti berdoa dua kali”
Notasi musik Medieval awal tidak terlihat seperti notasi yang digunakan dalam musik hari ini. Tanda-tanda awal dari sistem sistem notasi notasi musik yang digunakan untuk neumes. Untuk waktu yang lama, notasi musik terdiri dari lapangan atau catatan yang harus dinyanyikan. Notasi musik lainnya, seperti irama tidak dimulai sampai abad 12 atau 13.
Gregorian Chant adalah monofonik, memiliki satu baris melodi tanpa iringan. Hal ini dikatakan sangat tenang, dengan bentuk murni melodi. Tidak diketahui siapa yang menulis melodi Gregorian Chant. Mirip dengan melodi rakyat, mungkin berubah dari waktu ke waktu seperti yang turun-temurun.
Menjelang bagian akhir Abad Pertengahan, musik terdiri dari dua atau lebih garis melodi yang terdengar bersamaan, disebut polifoni. Ini muncul sekitar 1200. Polyphony lebih sulit untuk menulis daripada nyanyian monofonik, karena komposer harus menggabungkan beberapa garis melodi dengan cara yang akan menyenangkan untuk pendengar. Sebagian besar Medieval polifonik musik anonim, seperti nama-nama komponis yang pernah ditulis. Namun, ada beberapa pengecualian, karena beberapa komposer telah bekerja begitu penting bahwa nama mereka diawetkan bersama dengan musik mereka.
Meskipun sedikit itu telah diawetkan, lagu sekuler adalah penting bagi era abad pertengahan .. Lagu sekuler monophonic dan alirannya lebih beragam dari lagu biasa. Itu lebih kuat, dan dimanfaatkan irama teratur, dan memiliki pola berirama pendek. Itu umumnya modal tapi disukai utama (Ionian) dan minor (Aeolian) mode.
1. The Renaissance Periode (1400 - 1600 C.E.)
Era Renaissance meliputi sejarah musik Barat dari 1400 hingga awal 1600-an. Periode ini dalam waktu menandai kelahiran kembali humanisme, dan kebangkitan prestasi budaya untuk kepentingan mereka sendiri dalam segala bentuk seni, termasuk musik. Kata "Renaissance" itu sendiri didefinisikan sebagai "kelahiran kembali" atau "rekonstruksi".
Selama ini, artis dan musisi menghasilkan karya-karya yang ditampilkan lebih banyak kebebasan artistik dan individualisme. Kreativitas ini memungkinkan seniman untuk meninggalkan cara-cara ketat Medieval Era. Bentuk seni mereka menemukan kembali cita-cita Yunani kuno. Para guru besar dari Renaissance yang dihormati dalam hidup mereka sendiri (bukan setelah kematian mereka), yang berbeda dari sebagian besar pendahulu Medieval mereka. Dengan teknik cetak baru, musik dan musik ide mampu dipertahankan dan didistribusikan kepada masyarakat.
Suara musik khas dari era Renaissance yang terdiri dari halus, meniru, gaya polifonik, seperti yang terlihat dalam musik Byrd, Palestrina, dan Lassus. Sementara musik suci tetap penting, musik sekuler mulai menjadi semakin umum. Oleh karena itu, gaya polifonik tidak hanya digunakan dalam musik sakral, tetapi juga dalam madrigals sekuler.
Repertoar musik instrumental juga mulai tumbuh cukup. Instrumen baru diciptakan, termasuk dua instrumen keyboard yang disebut clavichord dan perawan. Selain itu, banyak instrumen yang ada yang ditingkatkan. Kecapi menjadi instrumen favorit dari periode waktu, dan didirikan sebagai instrumen standar untuk musik keluarga keputusan selama abad ke-16.
Misa dan motets adalah bentuk utama untuk polifoni vokal suci. Ini disertai dengan kecapi atau ansambel berperan kecil atau permaisuri. Bentuk vokal Sekuler termasuk motets, madrigals dan lagu, sementara potongan instrumen biasanya bekerja polifonik pendek atau musik untuk menari.
Renaissance polifoni adalah harmonis bila dibandingkan dengan gaya abad pertengahan. Imitasi adalah metode yang digunakan untuk membuat komposer musik yang rumit lebih koheren dan memberikan pendengar rasa pengaturan. Imitasi, di mana satu saham melodi baris, atau "meniru," tema musik yang sama sebagai garis melodi sebelumnya menjadi teknik polifonik penting. Polifoni imitatif dapat dengan mudah didengar dalam musik Byrd, Gibbons, dan Gabrieli. Selain itu, massa dan motets komposer seperti Josquin juga ditampilkan gaya polifonik imitatif. Polifoni imitatif begitu penting sehingga berlanjut ke periode Baroque, khususnya dalam musik sakral bagi gereja.
2. Baroque Era (1600-1750 C.E.)
Era Baroque Istilah menggambarkan gaya atau periode musik Eropa antara tahun 1600 dan 1750. Istilah Baroque berasal dari kata Portugis yang berarti "mutiara yang bentuknya tidak beraturan." Kata Baroque awalnya digunakan untuk menyiratkan keanehan, kelainan dan pemborosan, menerapkan lebih seni daripada musik. Hanya di abad ke-20 bahwa istilah ini telah digunakan untuk merujuk pada suatu periode dalam sejarah musik.
Bila dibandingkan dengan pendahulunya, musik Barok dapat dilihat sebagai sangat hiasan, boros bertekstur, dan intens. Musik dari periode ini ditandai oleh tandingan kaya dan garis melodi yang sangat dihiasi. Musik dari periode ini memiliki sejumlah mendefinisikan karakteristik termasuk penggunaan basso continuo dan keyakinan dalam doktrin kasih sayang. Doktrin kasih sayang memungkinkan komposer untuk mengekspresikan emosi dan perasaan dalam komposisi mereka. Karakteristik lain yang membedakan dari era Baroque adalah penekanan pada kontras volume, tekstur, dan kecepatan dalam musik, dibandingkan dengan musik dari Renaisans yang tidak berkonsentrasi pada elemen-elemen ini. Selain itu, musik Baroque memisahkan diri dari kerasnya abad pertengahan dan awal gaya Renaisans dengan penekanan baru pada penggunaan warna vokal dan instrumental. Jenis Sekuler musik kini dalam kelimpahan dan digunakan secara luas sebagai orang-orang dari gaya musik liturgi. Polifoni imitatif (lebih dari satu baris musik) masih merupakan faktor yang sangat penting dalam menulis dan bermain musik, sedangkan metode homophonic (teknik musik yang menampilkan pemisahan besar antara garis melodi dan iringan) telah mendapatkan penerimaan dan penggunaan cukup pesat . Gaya homophonic akhirnya menjadi dominan dalam bentuk instrumental musik juga. Karya musik yang mengandung bagian continuo di mana keyboard (biasanya organ atau piano) dan instrumen bass (biasanya bassoon atau cello) membantu untuk menyampaikan dukungan harmonik akord di bawah garis melodi.
Meskipun musik homophonic telah menjadi semakin populer selama ini dalam sejarah musik, bentuk-bentuk baru polyphonic musik juga berkembang secara bersamaan. Mirip dengan komposer masa Renaissance, komposer selama periode ini merasa bahwa seni tandingan itu penting untuk kesenian mereka. Dua bentuk yang sangat ketat polifoni imitatif, meriam dan fugues, yang sangat populer pada saat era Baroque. Untuk membuktikan keahlian mereka sangat, komposer kadang-kadang diharapkan berimprovisasi fugues kompleks pada saat itu juga.
Hal ini juga penting untuk dicatat bahwa opera dan orkestra keduanya dikandung selama era Baroque juga. Sekitar 1600, opera terjadi karena intelektual Italia ingin merebut kembali semangat drama Yunani kuno dimana musik memainkan peran kunci. Claudio Monteverdi itu Orfeo (1607), adalah opera besar pertama. Gaya musik homophonic memainkan peran penting dalam opera dan solo musik vokal karena fokus konsentrasi pendengar pada melodi puitis penyanyi.
Selama awal periode Baroque, sebagai pendamping untuk musik opera dan vokal, orkestra berkembang. Pada pertengahan 1600-an orkestra itu tumbuh menjadi entitas sendiri dan concerto adalah salah satu bentuk yang paling populer musik dilakukan. The concerto menampilkan instrumentalis solo, atau ensemble kecil solois, bermain bertentangan dengan orkestra, sehingga menciptakan kontras yang menarik tekstur dan volume. Selain itu, selama periode Baroque komposer mulai menjajaki kemampuan musik untuk mengekspresikan spirirt manusia dan untuk menggambarkan fenomena alam. Vivaldi The Four Seasons adalah set paling terkenal dari concerto yang ditandai ini.
3. Era Klasik (1750-1820 C.E.)
Meskipun Era Klasik hanya berlangsung selama 70 tahun, terjadi perubahan besar dalam musik yang sedang diproduksi. Musik klasik menempatkan stres besar pada kejelasan berkaitan dengan ekspresi melodi dan warna instrumental. Meskipun opera dan musik vokal (sakral dan sekuler) masih sedang ditulis, sastra orkestra dilakukan secara lebih luas. Orkestra yang diperoleh warna yang lebih dan fleksibilitas sebagai klarinet, seruling, oboes, dan bassoons menjadi anggota tetap orkestra.
Gaya klasik didominasi oleh homophony, yang terdiri dari garis melodi tunggal dan iringan. Bentuk-bentuk baru komposisi dikembangkan untuk beradaptasi dengan gaya ini. Yang paling penting dari bentuk ini adalah sonata yang berada di musik instrumental. Formulir ini terus berubah dan berkembang selama periode klasik, dan penting untuk dicatat bahwa sonata klasik sangat berbeda dari sonata yang ditulis oleh komposer Baroque.
Awal 1700-an mencerminkan gaya musik yang dikenal sebagai Rococo. Gaya ini menjabat sebagai transisi dari Baroque ke Era Klasik. Rococo, yang dikembangkan di Perancis, sebenarnya merupakan istilah seni yang menggambarkan gaya seni baru yang baik ringan dan dihiasi. Berbicara tentang musiknya, itu disebut sebagai gaya galant. Di Jerman, setelah 1750, yang galant gaya menjadi empfindsamer stil. Dengan perubahan ini dalam nama datang unsur ditambahkan ekspresif dan sentimentalitas.
Sebagai musik klasik berkembang, karakteristik khas dikembangkan. Perubahan dalam bentuk yang terlihat bersama dengan perubahan struktur kalimat. Phraases pendek dan irama didefinisikan dengan baik menjadi lebih umum. Selama periode ini, pola iringan favorit adalah Alberti bass (nama untuk Dominico Alberti), yang menampilkan akor rusak.
Melodi dari era klasik lebih kompak dan diatonis. Harmony kurang terstruktur. Ia menggunakan tonik, dominan, dan akord subdominant. Selain itu, selama periode ini, diatonis harmoni lebih umum kemudian berwarna. Komposer terutama digunakan akord dalam bentuk triadic dan kadang-kadang digunakan akord ketujuh dalam komposisi mereka.
Keempat komposer utama dari era klasik adalah Haydn, Mozart, Gluck, dan Beethoven. Ini komposer menulis secara ekstensif untuk media vokal dan instrumental.
4. The Romantic Era (1850 - 1920 C.E.)
Era Romantis adalah periode perubahan besar dan emansipasi. Sementara era klasik memiliki undang-undang yang ketat keseimbangan dan menahan diri, era Romantis menjauh dari bahwa dengan memungkinkan kebebasan artistik, eksperimen, dan kreativitas. Musik dari periode ini sangat ekspresif, dan melodi menjadi fitur dominan. Komponis bahkan menggunakan ini berarti ekspresif untuk menampilkan nasionalisme. Hal ini menjadi kekuatan pendorong dalam periode Romantis an, sebagai komposer menggunakan unsur-unsur musik rakyat untuk mengekspresikan identitas budaya mereka.
Seperti dalam setiap saat perubahan, teknik musik baru muncul untuk cocok dengan tren saat ini. Komposer mulai bereksperimen dengan panjang komposisi, harmoni baru, dan hubungan tonal. Selain itu, ada peningkatan penggunaan disonansi dan penggunaan diperpanjang chromaticism. Fitur penting lainnya dari musik romantis adalah penggunaan warna. Sementara instrumen baru terus-menerus ditambahkan ke orkestra, komposer juga mencoba untuk mendapatkan suara baru atau berbeda dari instrumen sudah digunakan.
Salah satu bentuk baru adalah puisi simfoni, yang merupakan karya orkestra yang menggambarkan cerita atau memiliki semacam latar belakang sastra atau seni untuk itu. Lain adalah seni lagu, yang merupakan karya musik vokal dengan penekanan yang luar biasa ditempatkan pada teks atau makna simbolik dari kata-kata dalam teks. Demikian juga, opera menjadi semakin populer, karena terus musik bercerita dan mengungkapkan isu-isu hari. Beberapa tema yang komposer menulis tentang adalah melarikan diri dari penindasan politik, nasib kelompok nasional atau agama, dan peristiwa-peristiwa yang terjadi dalam pengaturan jauh atau iklim eksotis. Hal ini memungkinkan unsur fantasi yang akan digunakan oleh komposer.
Selama periode Romantis, virtuoso mulai difokuskan. Pemain sangat berbakat - pianis, pemain biola, dan penyanyi - menjadi sangat populer. Liszt, besar Hungaria pianis / komposer, dilaporkan bermain dengan gairah dan intensitas bahwa perempuan di penonton akan pingsan. Kebanyakan komposer juga pemain virtuoso, hal itu tak terelakkan bahwa musik yang mereka tulis akan sangat menantang untuk bermain.
5. The Modern/20th Century Era (1900 - Sekarang)
Dengan kedatangan abad ke-20 evolusi lain dalam dunia musik muncul. Sementara beberapa musik awal abad 20 dapat dilihat sebagai perpanjangan dari gaya Romantis an, banyak musik abad ke-20 dapat dilihat sebagai pemberontakan. Komponis tidak terlihat untuk membangun apa yang standar tapi sekali lagi menciptakan musik bebas dan digunakan suara yang pergi melawan arus saat ini. Musik abad kedua puluh dapat digambarkan sebagai lebih halus, samar-samar dalam bentuk, halus, dan memiliki suasana yang misterius.
Musik abad kedua puluh adalah era yang sulit untuk menentukan dalam hal gaya musik. Satu-satunya cara mudah untuk mendefinisikan musik abad ke-20 adalah bahwa hal itu tidak sesuai dengan persyaratan Romantic era. Dan karena ekspresi sendiri dan teknik orkestra itu tidak masuk ke setiap kategori lain tetapi sendiri.
Periode waktu ini melahirkan banyak istilah baru untuk gaya musik karena keragaman musik yang sedang ditulis. Beberapa contoh keadaan tanpa nada, ekspresionisme (terlihat dalam musik awal Schoenberg), neo-Romantisisme, dan neo-klasisisme.
Seperti yang benar dalam era Romantis, nasionalisme masih menjadi perangkat musik penting yang digunakan pada paruh pertama abad ke-20. Komposer lagu-lagu rakyat dimanfaatkan untuk memperkaya musik mereka. Contohnya bisa dilihat dalam musik Raplh Vaughan Williams (Inggris), Bela Bartok (Hungaria), Heitor Villa Lobos (Brazil) dan Aaron Copland (USA). Jazz dan populer gaya musik dipengaruhi komposer dari kedua Amerika Serikat dan Eropa.
Pada abad ke-20 bentuk dan struktur gaya musik tradisional yang dipecah dan diciptakan atau disusun menggunakan teknik musik non-Barat dan ide-ide abstrak. Teknologi juga menjadi faktor yang sangat penting dalam membuat musik selama periode ini. Komposer telah dikenal untuk menggunakan rekaman sebagai alat komposisi. Elektronik menciptakan suara yang digunakan dalam kombinasi dengan suara elektronik lain atau bermain bersama dengan instrumen musik tradisional. Baru-baru ini, penggunaan teknologi komputer telah mempengaruhi dunia pembuatan musik. Beberapa cara di mana komputer saat ini mengubah wajah dunia musik dengan memanipulasi kinerja instrumen secara real time.
